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— Argentina —
Desde el 26 de octubre en los cines de Zúrich y Basilea. Actualmente se pasa en San Galo y en Baden/Wettingen. Desde el 2 de noviembre en Aarau y desde el 16 de noviembre en Berna.

Dirección: Marcelo Mangone
Guión: Ricardo Cardoso y Marcelo Mangone, sobre la obra teatral homónima de Ricardo Cardoso.
Basada en una obra teatral, cuenta la historia de un hombre obstinado en defender su empresa y otro que llega con la misión de demolerla, está basada en la realidad de las fábricas en Argentina.

ENTREVISTA A MARCELO MANGONE, DIRECTOR DE “LA DEMOLICIÓN”
por © Nicolás Fernández || http://www.labarradyr.com.ar || foto: ©la barra ||

“Fui a la primaria al Ramos Mejía, ahí en Alvarado. Y durante el secundario paseé un poquito. – cuenta Marcelo - . Hice primero y segundo año en el French, donde me pidieron amablemente que me retire. Después fui al Don Bosco, porque me gustó el ambiente familiar. Hice tercero, cuarto y mitad de quinto. Ahí directamente me echaron porque era una persona un poco subversiva y rebelde y terminé en un colegio de Castelar, Santa Magdalena Sofía Barat”.

Hijo de un contador público y músico y de madre panadera, Marcelo vive en un departamento en San Martín y Rosales, pero antes vivió en Moreno y Florencio Varela, y en Alvear y Mármol.

“No me fui nunca del barrio – explica el cineasta - creo que para irme me tendría que ir del país o a otra provincia”. Y confiesa que derivó en la escuela de cine por descarte: “sabía que tenía que ser una carrera artística y después de eliminar la música me decidí por el cine. A los dos meses de arrancar ya estaba enfermo con la carrera”.

Estudió desde 1993 hasta 1996 en La Universidad de Cine, donde se graduó como camarógrafo y director de fotografía.

“Ya cuando me gradué comencé a trabajar en mi primer largometraje: Natural (película filmada en Ramos que aún no se estrenó comercialmente y que le provoca emoción cada vez que se la nombra), pero como no tenía plata, trabajaba en cortos y otras cosas y en el tiempo libre y con la plata que ganaba la iba terminando, dándole forma”.

La Demolición

“…y llegó un momento en el que ya no podía avanzar más con Natural, entonces me tranquilicé y dije: `ya tendrá su momento, algún día va a llegar´.

Y entonces se acercó a Marcelo, Alberto Trigo (productor ejecutivo) con el guión de “La Demolición”.

Basada en la obra homónima de Ricardo Cardoso, Marcelo realizó la adaptación final para cine de la película que cuenta la historia de un empleado de una empresa de demoliciones cuya vida no se parece en nada a la del sueño americano. Su próximo trabajo será demoler una vieja fábrica donde trabaja un hombre que tiene alucinaciones y esperanzas de sacar la fábrica adelante.

Al respecto Marcelo nos cuenta: “La verdad que es un honor participar de algo así que no tiene mucha difusión, esta cosa de las cooperativas y las fábricas recuperadas que al sistema no le cae muy bien”.

La Demolición cuenta con un elenco de lujo del cual Marcelo sólo habla maravillas: Enrique Liporace, Jorge Paccini, Alejandro Pous, Roly Serrano, Marcelo Mazzarello, Marcelo Alfaro, Ernestina Pais, Mimi Ardu y la participación de Gastón Pauls.

La película se pre-estrenó en el Cine Cosmos para los trabajadores de la fábrica y los mismos trabajadores del largometraje. El film ya paseó por los festivales de San Sebastián, Montreal, San Juan de Puerto Rico, Amiens y en Friburgo (Suiza), Punta del Este y Chicago.

Ya sobre el final de la nota, que duró aproximadamente dos horas y durante la cual Marcelo prendió sólo un cigarrillo, agregó: “A pesar de ser un tema social y económico de lo que nos pasó y nos sigue pasando, La Demolición está tratada con muchísimo humor, es muy absurda y muy divertida”. Y finalizó, mientras dejaba promociones de la película por doquier, diciendo: “Creo que nos recuerda que en la vida para ser feliz no hay otra que pelear por lo que uno cree, hasta las últimas consecuencias”.
Nota: © Nicolás Fernández || http://www.labarradyr.com.ar

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Heitere Arbeitswelt

La demolición Beto hat sich entschieden, seinen Arbeitsplatz, an dem er 40 Jahre lang gewirkt hat, zu verteidigen, obwohl der Betrieb geschlossen, die Fabrik stillgelegt wurde. Wie ein Buddha sitzt er da an seinem Pult und arbeitet weiter, auch wenn die Telefonlinien nicht mehr funktionieren. Osvaldo, auch er ohne regelmässige Arbeit, trifft eines Morgens ein, um das Gebäude abzubrechen. Eine erfrischende Komödie über unsere Arbeitswelt und was aus ihr wird.

La demolición Sie nennen sich «fabricas recuperadas», was man mit «zurückgewonnene Fabriken» über-setzen würde, und sie haben sogar eine eigene Site: www.fabriabricasrecuperadas.org - In Argentinien läuft nach der Liberalisierung der so genannt freien Marktwirtschaft und dem Bankrott derselben vor wenigen Jahren vieles, damit die Leute wieder Boden unter den Füssen spüren. Eine der Initiativen läuft auf die Wiederinbetriebnahme von geschlossenen Fabriken hinaus, weil viele nicht einsehen wollen, warum die Besitzerklasse nicht nur mit dem Geld abhaut, wenn drauf und dran kommt, sondern auch gleich noch ihre Fabriken verscherbelt und stilllegt.

La demolición Die herrlich komische Geschichte, die Marcelo Mangone uns da in seinem Spielfilm LA DEMOLICION also erzählt, ist mitten aus einer Zeit heraus gegriffen, in der es um die Arbeitsplätze nicht mehr so sicher steht wie auch schon, aber die Leute sich auch wieder zu wehren beginnen. Die Handlung ist in Argentinien verwurzelt aber weltweit gültig, lässt uns der Film über die Gespräche von Beto und Osvaldo in der zum Abbruch bestimmten Fabrik doch nachdenken und schmunzeln über die Arbeitskultur, Fragen des Ausverkaufs der Arbeitswelt und den Widerstand, den da einer auf verlorenem Posten leistet.

Zwischen den beiden Hauptfiguren und draussen auf der Strasse setzt ein Prozess ein, an dessen Ende man sich gegen den Abbruch wehrt und dagegen, länger Spielmasse von Besitzenden und Herrschenden zu sein. Das ist zunächst einmal eine erfrischende Komödie, dann aber auch ein gescheites Stück Reflexion über den Zustand der Arbeitswelt heute.

Trigonfilm © Walter Ruggle

Cedo nas salas de cinema em Suíça
A saga de Áurea começa em 1910, quando, em busca de um sonho que nunca lhe pertenceu, ela chega em caravana a um enorme labirinto de areia no Maranhão, Norte do Brasil. À procura de terras que o marido, Vasco, acredita serem prósperas, ela se vê condenada à vida num lugar inóspito, tendo como única companhia feminina sua mãe, Dona Maria. Grávida, e inconformada com o destino, a mulher faz de tudo para encontrar uma saída. Mas o tempo vai pouco a pouco transformando essa história embalada por profundos sentimentos, que vão do desespero à plenitude.

São 59 anos convivendo com a iminência da partida. A princípio impedida por Vasco, Áurea é obrigada a morar numa casa no alto de uma duna. Até que um dia, ao lado da mãe, ela presencia a morte do marido, soterrado na própria loucura e, num misto de dor e alívio, acredita estar livre. Mas, na verdade, virara refém da sorte.

Abandonada no deserto com a filha, Dona Maria sai à procura de um pequeno povoado originário de um antigo quilombo, onde só vivem negros. E assim conhece Massu, que virá a ser o grande companheiro das duas. É ele que as ensina a trocar pertences por comida. E sal, trazido de longe por Chico, único homem capaz de chegar e sair dali deliberadamente, e a quem Áurea se apegará na esperança de partir depois de dar à luz.

Nasce uma menina, também chamada Maria. Nove anos passam e Dona Maria é a primeira a dar sinais de que há sentido na vida naquele lugar. Mas Áurea continua obstinada, esperando a filha crescer para encarar a travessia. A possibilidade de realizar o seu maior desejo ressurge com a volta do vendedor de sal. Quando tudo parece perfeito, Massu surpreende, impedindo a partida.

Desesperada, Áurea corre pelo areal atrás de Chico. Em vez dele encontra o Tenente Luiz, jovem que guia um grupo de cientistas na pesquisa do eclipse do sol na região. Numa passagem emocionante, ela resgata sentimentos, redescobre o sexo e a chance de refazer a vida. Porém, mais uma vez por circunstâncias que independem de sua vontade, Áurea permanece no areal. E, ao lado de Massu, descobre que, na verdade, seu lugar é ali.

Drei Frauen - Grossmutter, Mutter und Tochter - stehen im Mittelpunkt dieser wunderbaren brasilianischen Frauensaga, die sich über einen Zeitraum von 59 Jahren erstreckt. 1910 gelangen Dona Áurea und ihre Mutter Maria nach Maranhão, an einen gottverlassenen Flecken inmitten einer Sandwüste im Norden Brasiliens. Áureas Ehemann Vasco hängt dem verrückten Glauben an, er könne das trostlose Land fruchtbar machen. Als er ums Leben kommt, ist Áurea schwanger; mit ihrer Mutter und der Neugeborenen, die den Namen Maria erhält, lebt sie fortan allein in dem Haus auf der Düne. Zum einzigen Vertrauten wird Massu, der in einer nahen Siedlung fortgelaufener Sklaven lebt. Von ihm lernen sie, durch Tausch und Handel ihren Lebensunterhalt zu bestreiten. Ihre Hoffnung, die Gegend verlassen zu können, bleibt unerfüllt. Trost findet Áurea in den Armen des Leutnants Luiz, der hier eine Sonnenfinsternis beobachten kommt, während Maria von der Musik träumt.

Frauen in Brasiliens Dünen
Mit Eu, tu, eles hat der Brasilianer Andrucha Waddington vor drei Jahren von sich reden gemacht und das Publikum auch bei uns begeistert. In seinem neuen Film The House of Sand (Casa de Areia) prägt erneut die Landschaft die Menschen und das Dasein, dreht sich das Geschehen um Frauenfiguren. Und eine Hauptrolle spielt die Wüstenlandschaft im hohen Norden Brasiliens, in die hinein die Handlung über Sein und Zeit choreografiert ist. Atemberaubend sind die Bilder dieser Gegend, meditativ die Reise durch ein Jahrhundert am Rand der zivilisierten Welt.

Es sind nur wenige Einstellungen in grandiosem Cinemascope, die Andrucha Waddington benötigt, um uns einzunehmen für einen Ort, an den er uns entführen will und an dem kaum jemand von uns sein Leben fristen möchte. So faszinierend die Landschaft, so abseitig ist sie. Diese Landschaft ist eine Bühne, auf der er seine Geschichte inszenieren wollte, eine Geschichte mit archaischen Zügen, eine Geschichte, in der es ums Lebendige geht, um das, was uns allen bleibt, wenn es nichts mehr gibt ausser unseren Körper, die Landschaft und: die Zeit.

Es gibt andere Wüstenfilme wie David Leans Lawrence of Arabia, die die Pracht der Leinwandbreite nutzten, um von der Unendlichkeit zu erzählen. Hier kommt dazu, dass Waddington es versteht, die Figuren einerseits in dieser Landschaft verloren zu Nichtsen werden zu lassen und ihnen gleichzeitig in den nahen Einstellungen so nah zu kommen, dass ihre Gesichter spiegeln können, was die Wüste in ihnen auslöst und bewegt. Eine Kraft des Filmes besteht darin, dass er uns die Endlichkeit in dieser Unendlichkeit spürbar macht, fassbarer werden lässt über das Bild, das er davon schafft. «Ich will mit meiner Tochter weg von hier», erklärt die Mutter dem ehemaligen Sklaven Massu, der diesen Traum schon lange aufgegeben hat und froh ist, nicht dort zu sein, wo es die Mutter wieder hinzieht. Für jeden ist das Hier und Anderswo etwas anderes. Sie will wissen, ob da jemals jemand vorbeikomme? «Hier kommt keiner an», meint Massu lakonisch, «und hier geht keiner weg.»

Wer heute einen Film dreht, hat andere Filme gesehen. Eine unübersehbare Referenz, die Andrucha Waddington selber auch nennt, ist der japanische Spielfilm Suna no onna (Die Frau in den Dünen) von Hiroshi Teshigahara aus den frühen sechziger Jahren, gedreht nach dem gleichnamigen Roman von Kôbô Abe. Dort findet sich ein Insekten sammelnder Mann in einem Haus bei einer mitten in den Dünen allein lebenden Frau wieder. Und es beginnt ein Ringen um die Frage: Gibt es einen Ausweg aus dieser Existenz?

Quelle: Walter Ruggle, Trigon-Film Magazin Nr 33

Une grand-mère, une mère et une fille : trois générations de femmes sont au centre de cette saga familiale brésilienne se déroulant sur une période de 59 années. Elles sont incarnées par deux des comédiennes les plus populaires du cinéma brésilien, Fernanda Montenegro et Fernanda Torres, qui sont réellement mère et fille dans la vie.

En 1910, Dona Áurea et sa mère Maria débarquent à Maranhão, un trou perdu au milieu du désert de sable du Nord du Brésil. Vasco, le mari d'Áurea, se berce dans la folle illusion de pouvoir fertiliser cette terre aride - une erreur qui lui coûtera cher. Lorsqu'il meurt, Áurea est enceinte. Seule avec sa mère et le nouveau-né, qu'elle prénomme Maria, elle vit désormais dans la maison des dunes qui n'est pour elle qu'une prison de sable. Il est toutefois impossible de s'en évader. Le seul allié de Dona Áurea, c'est Massu, un ancien esclave en cavale qui vit dans le lotissement tout proche. Il lui apprend à gagner sa vie en faisant du troc et du commerce. Elle envisage de quitter la région avec Chico, marchand de sel ambulant, mais cet espoir ne se réalise pas. Dona Áurea est donc bien forcée d'accepter son destin. Elle trouve un peu de consolation dans les bras du lieutenant Luiz, qui accompagne un groupe de scientifiques venus observer une éclipse de soleil, en 1919.

Son désir de partir dans le vaste monde survit chez sa fille. La jeune Maria va se rebeller contre la solitude de leur existence en menant une vie désordonnée, voire débauchée, mais elle ne se libérera jamais complètement des sables de Maranhão.

— Biografia —
Director de cine brasileño nacido en Río de Janeiro. Hijo del productor y fotógrafo Luiz Carlos Barreto, se crió en los ambientes de rodaje. Adaptó Tati, a garota (1972), de Aníbal Machado, A estrela sobe (1974), de Marques Rabelo, Doña Flor y sus dos maridos (1976), de Jorge Amado, que fue un gran éxito tanto en Brasil como en el extranjero, O beijo no asfalto (1980), de Nelson Rodrigues, y Gabriela cravo e canela (1982), también de Jorge Amado, coproducida con Estados Unidos. Retrató con sensibilidad las clases marginales en O romance da empregada. En 1988 se trasladó a Estados Unidos, donde dirigió el thriller político Bajo otra bandera. Regresó a Brasil para rodar la polémica adaptación de un libro de Fernando Gabeira sobre el secuestro del embajador estadounidense en Río de Janeiro en 1969 titulada Cuatro días de septiembre (1996). En 1998 fue nominado para el Oscar a la mejor película extranjera por la película Acariciando la muerte (1997). Fuente: El poder de la palabra, http://www.epdlp.com || © eMe

Guión
Jandira Martini, Marcos Caruso y Bruno Barreto
Basado en el cuento «Palmeiras, Um Caso de Amor», de Mario Prata
Con Luana Piovani , Luis Gustavo, Marco Ricca, Martha Mellinger, Leonardo Miggiorin, Mel Lisboa, Berta Zemmel, Marina Person, Renato Consorte, Zé Vasconcelos, Cybele Jácome, Rafael Golombek y gran elenco. Producido por Paula Barreto. Producción Ejecutiva: Francisco Ramalho Jr. Coproducción: Geração Conteúdo, Estudios Mega, Megacolor, Locall y BMG Brasil. 

"El casamiento de Romeo y Julieta" será para San Pablo lo que "Bossa Nova" (la película) fue para Río. "Una declaración de amor" – Bruno Barreto
 
TEMA. «El Casamiento de Romeo y Julieta» es una comedia de costumbres que aborda el tema shakespeariano del amor imposible entre dos jóvenes, hijos de familias rivales.
En el caso de esta película, dirigida por Bruno Barreto, consagrado director de Doña Flor y sus dos maridos y Cuatro días de setiembre (O qué é isso, companheiro?), el telón de fondo no es la ciudad de Verona sino la moderna y trepidante San Pablo; las familias rivales no son los Montescos ni los Capuletos, sino las hinchadas del Palmeiras y del Corinthians.
El casamiento de Romeo y Julieta intenta captar el estilo y el alma de la ciudad de San Pablo, de la misma forma en que la película Bossa Nova se convirtió en un retrato de Río de Janeiro.El casamiento de Romeo y Julieta se constituirá en un verdadero homenaje a la ciudad de San Pablo, retratando y revelando las dos grandes pasiones que la población construyó y elegió a lo largo de sus 450 años de vida.

El Casamiento de Romeo y Julieta
Algo muy feo tiene que ocurrir si en un país como Brasil el jefe de la barra brava del Corinthians se enamora perdidamente de la hija del hincha más enfermizo del Palmeiras en todo Sao Paulo. En esta comedia romántica del varias veces premiado Bruno Barreto, el fanatismo futbolero sirve de contexto para una historia de amor tan imposible como la que elucubró William Shakespeare en su pieza más célebre. Romeo es un oftalmólogo de profesión que es capaz de matar y morir para defender la camiseta del Corinthians, pero que, en nombre del amor, debe hacerse pasar como hincha del archirrival Palmeiras para conquistar a Julieta Baragatti, hija de un socio vitalicio de ese club. (Fuente: http://www.brasembsantiago.cl - embajada de Brasil en Chile)

O casamento de Romeu e Julieta
Alfredo Baragatti (Luís Gustavo) é um advogado descendente de italianos, que é palmeirense roxo e membro do Conselho Deliberativo do clube. Alfredo criou sua Julieta (Luana Piovani) para ser como ele, mais uma apaixonada pelo Palmeiras. Batizada em homenagem aos ídolos palmeirense, "juli" de Julinho e "eta" de Echevarietta, ela é jogadora do time feminino do Palmeiras, jogando como centroavante. Julieta se apaixona por Romeu (Marco Ricca), um médico oftalmologista de 45 anos que é corinthiano roxo. Em nome do amor Romeu aceita se passar por palmeirense, chegando a se filiar como sócio do clube e ir aos jogos para torcer pelo rival. Tais atitudes geram desconfiança em sua família, principalmente em seu filho Zilinho (Leonardo Miggiorin) e na avó Nenzica (Berta Zemmel), ambos corinthianos fanáticos.
Fuente: http://adorocinema.cidadeinternet.com.br (ver logo en el gráfico).

— desde el 4.4. en cartelera —
Alfredo Baragatti, avocat d'origine italienne est un fan inconditionnel de l'équipe de football Palmeiras de São Paulo. Il éduque sa fille Juliet à son image. Il n'y a aucun hommage caché à Shakespeare dans le prénom de la jeune femme, son père l'a baptisée en souvenir de deux stars de son équipe favorite: Julinho (Juli) et Echevarietta (eta). Elle-même partage la passion de son père et joue comme avant-centre dans l'équipe féminine du club. Un jour, suite à une blessure survenue lors d'une dispute familiale, Juliet rencontre Romeo, un ophtalmologue de 45 ans fervent supporter des Corinthians, principaux rivaux des Palmeiras ! Pour ne pas perdre son nouvel amour, Romeo fera semblant d'être, lui aussi, un « palmeirien ». Mais la famille s'en mêle et la situation va vite devenir intenable pour les deux amants.

Bruno Barreto définit son film comme «un conte moral sur la question de l'identité et de la tolérance dans le monde contemporain». Il avoue s'être fortement inspiré de l'oeuvre de Pietro Germi, un des maîtres de la comédie italienne populaire des années 60 et 70. Et c'est vrai que Romeo and Juliet get married en possède tous les ingrédients, usant de ce registre à outrance. C'est tout d'abord une comédie de moeurs mettant en scène les travers de la société contemporaine? ici le comportement quasi-fanatique des supporters de football. Mais le réalisateur garde à l'esprit que son film doit surtout faire rire son public. La critique sera donc plus un grossissement, jusqu'au ridicule et à l'absurde, des comportements des personnages de l'histoire. Et ceux-ci vont dans le même sens: si nos deux amoureux ont un comportement (presque) normal, sont beaux (Juliet alias Luana Piovani est un célèbre mannequin considéré comme sex-symbol dans son pays) les protagonistes qui les entourent sont outranciers dans leurs physiques, comme dans leurs attitudes. Cris, pleurs, gesticulations, accoutrements, tout cela concourt à leur donner une dimension comique évidente, à nous donner envie de rire rien qu'à les voir sur l'écran. Il y a enfin les situations qui se développent jusqu'à l'absurde, mais en toute logique donnant un côté « réaliste » à l'irrationnel le plus dément, promenant un public heureux d'être aussi naïf. Mais si les situations sont aberrantes, elles partent de la réalité pour que le public entre dans l'histoire et puisse y croire. A regarder Romeo and Juliet get married, qu'on soit un fan de football ou non, le temps du film, on le devient. On se prend d?amitié et de compréhension pour ces gens complètement fous, qui ne vivent que pour leur équipe de foot.

Alfredo Baragatti, Anwalt italienischer Herkunft, ist begeisterter Anhänger der 'Palmeiras', des Fussballteams Nr. 1 in São Paulo. Seine Tochter Julieta erzieht er ganz nach seinen Vorstellungen, hinter ihrem Namen steckt aber nicht etwa eine diskrete Hommage an Shakespeare, vielmehr hat der Vater sie zu Ehren von zwei Fussballstars seiner Lieblingsmannschaft so getauft. Juli steht nämlich für Julinho und -eta für Echevarietta. Sie selbst teilt die Leidenschaft ihres Vaters und ist als Mittelstürmerin beim Frauenteam des Clubs aktiv. Als sie sich eines Tages bei einem Familienstreit verletzt, muss sie zum Augenarzt und lernt den 45-jährigen Romeo kennen, seines Zeichens inbrünstiger Corinthiansfan und also ein Anhänger der Erzrivalen der Palmeiras. Um seine neue Liebe nicht zu verlieren, gibt Romeo vor, ebenfalls Palmeirasfan zu sein, doch als sich die Familien einmischen, wird die Situation explosiv.

Bruno Barreta stellt mit seiner Erzählung die Frage nach Identität und Toleranz in der heutigen Zeit und hat sich dabei, wie er selbst sagt, stark vom Werk Pietro Germis inspirieren lassen, einem der Meister der italienischen Volkskomödie der 60- und 70er Jahre. In der Tat zieht der Regisseur in 'Romeo and Juliet Get Married' herzhaft alle Register dieses Genres. Allem voran ist es eine Sittenkomödie, die hier anhand des beinahe-fanatischen Verhalten der Fussballfans Absurditäten der heutigen Gesellschaft aufzeigt. Doch bei allem Ernst stand für Barreta im Vordergrund, sein Publikum mit diesem Film zum Lachen zu bringen. Die Kritik liegt deshalb in der Übertreibung, indem er das Verhalten der Figuren ins Lächerliche zieht und absurd wirken lässt. Und schon deren Erscheinung unterstützt diese Absicht: wirken die beiden Protagonisten (beinahe) normal und sind eigentliche Schönheiten (Julieta alias Luana Piovani ist ein berühmtes Model), so sind die Nebenfiguren sowohl in ihrem Verhalten wie auch in ihrem Äusseren überzeichnet. Sie schreien, weinen, gestikulieren - all das trägt dazu bei, ihnen eine augenfällige Komik zu verleihen, uns schon allein durch ihren Anblick zum Lachen zu bringen. So absurd viele Momente scheinen, entspringen diese doch immer wieder der Realität und wirken so glaubhaft und echt. Ist man nun Fussballfan oder nicht, während der 90 Filmminuten wird man es einfach! Man schliesst diese total verrückten Menschen, die nur für ihr Team und den Fussballsport leben, ins Herz.
Mehr dazu im trigon-film Magazin nr. 32

Brasilien und Fussball: Zwei Stichworte, die 2006 eine wichtige Rolle spielen. Auf dem Fussballfeld, aber auch auf der Kinoleinwand, denn diese Woche startet die brasilianische Fussballfankomödie «Romeo and Juliet get married» in Zürich, Basel, Bern und Biel. Weiterhin zu sehen ist der Film in Winterthur, St. Gallen und Baden-Wettingen. Der tolle Vorpremierenabend mit dem FCZ hat gezeigt: Ob Fussballfan oder nicht - an der lockeren brasilianischen Komödie vergnügen sich alle köstlich. Mit einer Portion Fussball, der Leidenschaft von Fans, einer wunderschönen Liebesgeschichte und einer Prise Shakespeare bringt Regisseur B. Barreto das Stadion zum Beben und ab 13.4, den Kinosaal zum Lachen!

Dirección: Carlos Sorín. Países: Argentina y España. Año: 2004.
Duración: 95 min. Género: Drama.
Interpretación: Juan Villegas (Coco), Walter Donado (Walter), Micol Estévez (Gracielita), Kita Ca (Señora de la estancia), Pascual Condito (Pascual), Claudina Fazzini (Claudina), Carlos Rossi (Gerente), Mariela Díaz (Hija), Rosa Valsecchi (Susana), Sabino Morales (Sabino), Rolo Andrada. Guión: Carlos Sorín, Salvador Roselli y Santiago Calori; basado en una idea original de Carlos Sorín. Producción: Oscar Krámer. Música: Nicolás Sorín. Fotografía: Hugo Colace.
Montaje: Mohamed Rajid. Dirección artística: Margarita Jusid. Vestuario: Ruth Fischerman.

CÓMO SE HIZO «BOMBÓN, EL PERRO»
Notas de producción © 2004 Nirvana
Notas del director Carlos Sorín
«Bombón. El perro» es una continuidad de mi film anterior «Historias mínimas», porque aquí vuelvo a trabajar con personajes simples, narrados en forma minimalista e interpretados por no-actores. Quizá hablar de personajes simples sea en sí mismo una simplificación. En realidad no hay personajes simples: el universo interior del más humilde campesino ecuatoriano es tan insondable como el de un profesor de filosofía. La diferencia está en que este último reflexiona y comunica mayormente a través de la palabra; y aquel, más elemental, a través de gestos y silencios. En cine siempre he preferido lo gestual a lo textual. Una mirada, un silencio, un pequeñísimo rictus adivinado en un primer plano, comunica con mayor contundencia que la retórica de la palabra. Y eso es lo que pasa con los personajes “simples”: hay que leerlos en los ojos. Pienso que es ahí donde el cine asume el gran legado de la pintura. La mirada abatida de Felipe IV en los últimos retratos realizados por Velázquez nos dice más de la tragedia de ese rey, que todos los volúmenes que pudieron haberse escrito sobre el tema.
  En “Bombón. El perro” vuelvo a trabajar con no-actores. Esto proviene de algunas experiencias filmando gente real, que tuve en mi carrera como director de cine publicitario. También, de la influencia que he recibido de varias películas del cine independiente actual, que trabajan en el difuso límite entre la ficción y el documental. En general me atrae más el documental que la ficción, así como las biografías más que las novelas. Es que trabajando con gente real, lugares reales y luz real, pienso se atenúa la manipulación y el engaño que inevitablemente lleva implícitos el cine. El cine es un engaño desde lo más básico. Ese hombre corriendo no está corriendo. Son imágenes fijas, proyectadas con intervalos de oscuridad. Sólo una deficiencia fisiológica –la persistencia retiniana– me hace verlas en continuidad como un hombre corriendo. Si el sistema nervioso fuese perfecto, el cine no sería posible. Y es así como el cine nace de una incapacidad. A partir de ahí todo sigue siendo un engaño. Los barcos de esa batalla naval no son barcos, el príncipe no es príncipe y los enamorados que se besan, en realidad no están enamorados (al menos no entre ellos...). Por otro lado, lo que siempre me atrajo del documental –y especialmente de las imágenes dramáticas de los documentales de guerra– es que nada ni nadie pretende ser lo que no es. Tiene la contundencia de estar cerca de lo verdadero. Me preguntaba si era posible contar una historia de ficción que, como las viejas mantas que hacía la abuela con trozos de distintas telas, sea contada con trozos de realidad, de verdad. Donde los que aparecen, en buena parte “son” y no “pretenden ser”. De ahí surge lo de trabajar con gente real pero bajo una condición: ellos no hacen de actores –porque en todo caso, mayormente serían malos actores– sino de sí mismos. Quienes interpretan los personajes de “Bombón. El perro” son exactamente iguales a los personajes. No en lo anecdótico –porque tienen otros oficios y viven en otros lugares– pero sí en lo esencial, en el alma. La idea es que de esa superposición surjan momentos, trozos verdaderos. Un ejemplo: el rostro fascinado de Juan Villegas-personaje cuando cuatrocientas personas lo aplauden por haber ganado un trofeo en la exposición canina, después de haber vivido veinte años en la soledad de una estación de servicio de una ruta perdida, es intenso y verdadero. Porque es el mismo rostro de fascinación de Juan Villegas –persona– a quien, en el mismo momento, aplauden cuatrocientos extras, después de haber vivido sus últimos veinte años estacionando autos en la soledad de un garaje. La situación es distinta, pero el sentimiento es el mismo. Si la cámara puede captarlo es que estamos ante un trozo de documental, un trozo de verdad. Al final de los títulos, van a ver la conocida frase que dice: “Los hechos y personajes de esta película son ficticios. Cualquier semejanza con hechos y personas reales es mera coincidencia”. No lo crean del todo: en esta película ni los personajes y situaciones son enteramente ficticias, ni las semejanzas fueron una mera coincidencia.»

Avec une infinie tendresse, Bombón nous conte les joies, les peines et les espoirs de personnages attachants, croisés au détour des routes interminables de Patagonie. Juan vient d’être licencié de la station-service où il travaillait depuis vingt ans. Confronté au chômage alors qu’il a 52 ans et pas de formation, il sculpte des manches de couteaux qu’il essaie de vendre, sans succès. Un jour, après être venu en aide à une jeune femme en panne au bord de la route, il se retrouve propriétaire d’un chien de race, un magnifique dogue argentin baptisé Bombón. Il semble que la chance lui sourie enfin: son chemin croise bientôt celui de Walter, entraîneur professionnel enthousiaste, qui n’a de cesse de présenter Bombón au prochain concours canin. L’objectif : monnayer les services du champion pour donner une descendance à des femelles. Mais l’animal semble peu enclin à faire ce que l’on attend de lui...

Après Historias minimas, le réalisateur argentin Carlos Sorín revient avec d’autres « petites histoires », racontées dans le même esprit minimaliste, à la limite du documentaire. Les histoires simples de personnages simples ? Le réalisateur s’en défend : «L’univers intérieur du plus humble paysan est aussi insondable que celui d’un professeur de philosophie », explique-t-il. « La différence est que le second communique principalement par la parole, tandis que le premier s’exprime par des gestes et des silences. Au cinéma, j’ai toujours préféré le geste au texte.» Un regard, une expression, un mouvement que l’on devine à peine : il n’en faut pas plus pour exprimer la vérité des personnages. Une démarche soutenue par des comédiens amateurs qui jouent avec un naturel confondant. Ou plutôt, qui n’ont pas besoin de « jouer », car ainsi que le souligne le réalisateur, « les interprètes du film sont, dans leur essence même, dans leur âme, identiques à leurs personnages.» Au final, des émotions réelles pour une fiction qui sonne extraordinairement juste. Fuente: Trigon-Film © con licencia para Punto Latino.

ZÜRICH: a partir del 30 de junio, Arthouse Nord-Süd
BASEL: a partir del 30 de junio
BERN: a partir del 30 de junio
La película boliviana, que manejó una inversión de más de 700 mil dólares, es una coproducción boliviana, alemana y chilena. El aporte nacional se realiza gracias al crédito de la plataforma de cine de Ibermedia.
"El Corazón de Jesús", calificada por el cantautor español Ismael Serrano como una gran aventura, es una comedia de humor negro que escarba entre los sentimientos de los marginados de la sociedad (el caso de Cacho Mendieta en el papel de Jesús Martínez, un ex funcionario público en papel terminal) para conocer cuál es el sentido que tienen de la vida.
Un solo actor [no boliviano] participa del filme de Loayza, el español Ismael Serrano, además de una veintena de actores bolivianos como Elias Beltrán, Julio Kempff, Nicolás Bahuer.
Marcos Loayza nació en La Paz, luego de estudiar en la Escuela Internacional de Cine de San Antonio de Los Bañados en Cuba, fue alumno de guión de Jean Claude Carriere y del escritor Alfredo Bryce Echenique. El filme "Cuestión de Fe" (1995) le permitió acceder al cine argentino dirigiendo la película.
http://www.trigon-film.org
comentarios a: prensabolivia@interlatin.com